Auteure d’œuvres restées célèbres, trop souvent réduite à son statut d’élève, de collaboratrice, de maîtresse ou de muse de Rodin, Camille Claudel (1864-1943) fascine par la virtuosité de sa sculpture et l’intensité de son imaginaire. Son œuvre témoigne d’une remarquable maîtrise technique, d’un goût subtil pour les matériaux colorés, mais aussi d’une sensibilité profondément moderne, nourrie par le japonisme et l’Art nouveau. La conférence reviendra en images et en musique sur le parcours d’une artiste singulière, qui a lutté pour affirmer sa propre identité créatrice.

Cette première conférence propose de revenir sur la place des femmes artistes dans l’histoire de l’art. Contrairement à une idée reçue, les femmes ont toujours créé : elles ont travaillé dans les ateliers, répondu à des commandes, exposé leurs œuvres et parfois connu une véritable reconnaissance de leur vivant. Pourtant, nombre d’entre elles ont été oubliées, marginalisées, mal attribuées ou exclues du grand récit de l’histoire de l’art. À travers les figures de Sofonisba Anguissola, Artemisia Gentileschi, Élisabeth Vigée Le Brun, Adélaïde Labille-Guiard ou Rosa Bonheur, la conférence interrogera les obstacles sociaux, culturels et institutionnels qui ont longtemps freiné leur reconnaissance et leur postérité.

Des pionnières des avant-gardes aux artistes féministes des années 1960-1980, ce second volet montrera comment les femmes ont profondément renouvelé les formes, les sujets et les pratiques artistiques. Le corps, l’identité, le genre, la sexualité, la maternité, le travail domestique ou encore l’écologie deviennent alors des enjeux à la fois esthétiques et politiques. À travers les exemples de Niki de Saint Phalle, Louise Bourgeois, Annette Messager, Cindy Sherman, Marina Abramović, Ana Mendieta ou Agnes Denes, la conférence mettra en lumière la manière dont ces artistes ont déplacé les frontières de l’art et ouvert de nouveaux territoires de création.

Cette conférence propose un panorama de l’œuvre de Paul Cézanne (1839–1906), figure majeure, longtemps incomprise, aujourd’hui reconnue comme l’un des fondements de la peinture moderne. De ses débuts sombres et tourmentés à ses ultimes visions aux frontières de l’abstraction, Cézanne n’a cessé de chercher à concilier sensation et structure, jusqu’à « organiser le chaos du monde ». Natures mortes, portraits et paysages de Provence témoignent de cette quête obstinée d’harmonie, où la peinture devient un moyen de révéler l’ordre profond du réel. Un événement en écho à l’exposition « Cézanne et nous » présentée au Grand Palais (23 septembre 2026 – 17 janvier 2027), et consacrée à l’héritage décisif du peintre.

Indissociable des Années folles, le style Art déco s’épanouit dans les arts appliqués et l’architecture, et trouve en France son terrain d’élection. Reflet de la modernité, il privilégie les lignes pures, les volumes géométriques et allie l’utile au raffinement, incarnant l’élégance d’une élite cosmopolite. Après avoir célébré le centenaire de l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes de Paris en 2025, cette conférence dressera un panorama de l’Art déco – du mobilier à la mode, de la peinture à la sculpture, de la joaillerie à l’architecture intérieure – et de ses créateurs et créatrices : Tamara de Lempicka, Sonia Delaunay, Eileen Gray, Jeanne Toussaint… autant de figures dont le regard neuf façonna le visage même de la modernité.

Cette conférence s’attachera à faire redécouvrir la puissance et la richesse de l’œuvre de Rosa Bonheur (1822-1899), immense artiste du XIXe siècle, célébrée de son vivant avant d’être progressivement reléguée au second plan. Première femme artiste à recevoir la Légion d’honneur, elle est rapidement devenue une figure d’émancipation, pour les femmes comme pour les artistes. Connue pour ses scènes animalières, elle a placé le monde du vivant au cœur de son travail et de son existence. Attentive aux découvertes scientifiques comme à la singularité de chaque animal, elle a cherché à restituer, par son pinceau, l’anatomie, la force et la psychologie du vivant.

Tempus fugit… Comment les artistes ont-ils donné forme à l’expérience du temps qui passe ? Des antiques vanités aux installations contemporaines de Christian Boltanski, en passant par les Nymphéas de Monet ou les célèbres « montres molles » de Salvador Dalí, cette conférence propose un voyage à travers les époques et les sensibilités. Peintres, sculpteurs et plasticiens ont tenté d’exprimer toute la gamme des émotions humaines face à l’écoulement du temps : mélancolie, mémoire, acceptation, vertige, désir de retenir l’instant ou rêve impossible d’échapper à la finitude.

Comment rendre visible l’invisible des songes ? Source inépuisable d’images, de visions et de métamorphoses, le rêve a nourri l’imaginaire des artistes à travers les siècles. Tantôt message divin, espace de révélation, théâtre de fantasmes ou plongée dans l’inconscient, il a donné naissance à des œuvres aussi féériques qu’inquiétantes. Des visions médiévales aux cauchemars romantiques, jusqu’aux explorations surréalistes du XXe siècle, cette conférence montrera comment les artistes ont puisé dans le langage du rêve pour repousser les limites du visible et faire de l’imaginaire un véritable moteur de création.